martes, 27 de septiembre de 2022

Historia de Trans World Entertainment (1984-1993) Primera parte

Trans World Entertainment fue una compañía creada y administrada por los productores de cine Moshe Diamant y Eduard Sarlui a fines de 1984; Su origen fue como editora, estrenando películas en el mercado de vídeo doméstico y editando mucho material de productoras independientes hasta que en 1985 comenzó a realizar también films propios, convirtiéndose en productora y distribuidora para cine. El israelí Moshe Diamant ha tenido presencia en el negocio cinematográfico desde fines de la década de 1970, su formación como ingeniero le permitió crear un proceso para subtitular películas en formato video que atrajo la atención de la industria de Hollywood. En poco tiempo, el manejo de la producción captó su interés y comenzó a mover todos sus esfuerzos en esa dirección, por lo que radicó en Los Angeles, California. En 1983 conoció a Sarlui, un refugiado holandés que se estableció en los Estados Unidos y se había convertido en un astuto comprador de películas, con un gran conocimiento del mercado cinematográfico local y extranjero. Tras conocerse y establecer una excelente relación, Diamant lo invitó a ser socio de una compañía que pudiera editar películas en vhs aprovechando el gran suceso del formato en ese momento.

El productor Moshe Diamant.

Tanto Moshe Diamant como Eduard Sarlui eran los Co-Presidentes y directores ejecutivos en TWE, aunque en el caso de Diamant también se encargaba de conseguir la financiación y seleccionar los proyectos a realizar; mientras que el segundo (que poseía entre sus bienes salas de cine en América Latina), era el responsable de ir a los mercados internacionales como el MIFED a comprar y vender derechos de películas clase B. Sarlui mantuvo paralelamente su propia compañía de cine llamada Continental Motion Pictures, creada en 1983 con su hermana Helen Sarlui-Tucker; la compañía era una organización registrada en Panamá que vendía películas coproducidas en el extranjero para los EE.UU. a través de American Cinema Service y en Italia a través de Eureka Film International de Roma. Algunos de los titulos que Sarlui cofinanció y produjo fueron She (1982), la primer película escrita y dirigida por el israelí Avi Nesher en los Estados Unidos, con Sandahl Bergman, David Goss y Gordon Mitchell; Anno 2020: I gladiatori del futuro (1983) de Joe D'Amato, Warrior of the Lost World (1983) escrita y dirigida por David Worth con Robert Ginty, Persis Khambatta, Donald Pleasence y Fred Williamson; Monster Dog (1984) de Claudio Fragasso con el protagónico a cargo del cantante Alice Cooper, De flyvende djævle (The Flying Devils, 1985) de Anders Refn, Alien Predator (1986) dirigida por Deran Sarafian, Iron Warrior (Ator il guerriero di ferro, 1987) del italiano Alfonso Brescia con Miles O'Keeffe y Savina Gersak; y Jailbird Rock (1988) de Phillip Schuman (también filmada en Argentina), con Robin Antin, Valerie Richards y Jacquelyn Houston. En ciertos casos de estas películas la historia principal la desarrollaba el propio Eduard Sarlui y algunos de estos films fueron estrenados en cine en USA (y posteriormente editadas en video) por la propia compañía Trans World Entertainment.

Presentación de Continental Motion Pictures en Iron Warrior y Jailbird Rock respectivamente.

Primer logo utilizado desde 1984 hasta diciembre de 1989.

El primer film realizado por Trans World Entertainment que Moshe Diamant puso en producción para estrenarse en cines, de manera limitada con muy pocas copias, fue Creature el 27 de abril de 1985 bajo la dirección de William Malone; Originalmente fue filmada con el nombre The Titan Find y contó con las actuaciones de Klaus Kinski, Stan Ivar, Wendy Schaal y Lyman Ward, pero fue retitulada y editada para su lanzamiento. La película tuvo buena recepción e incluso llegó a tener nominaciones en las categorías "Mejor película de horror" y "Mejores efectos especiales" en los premios Saturn Awards de la Academy of Science Fiction, Fantasy and Horror Films.
TWE no dejó pasar la oportunidad y rápidamente lanzó en video la serie completa The Master, emitida en TV por la cadena NBC entre el 20 de enero y el 31 de agosto de 1984 que protagonizó el artista marcial japonés Sho Kosugi, Lee Van Cleef y Timothy Van Patten siendo cancelada tras solo completar 13 episodios. Para el lanzamiento, Trans World los compiló en siete volúmenes de VHS titulados The Master Ninja editados entre fines de 1984 y 1985, aunque en su momento causó confusión entre las personas que alquilaron los videos, ya que pensaron que se trataba de un nuevo material con nuevas películas no vistas. Hay que decir que Trans World sin dudas era la compañía que más intentaba seguirle los pasos a Cannon Films, tanto en la manera de producir como en los lanzamientos, aprovechando especialmente a actores que dejaban de trabajar en la productora del dúo Golan-Globus; Tras el moderado éxito de The Master Ninja, Sho Kosugi, luego de terminar imprevistamente su contrato en Cannon, se estableció como un actor preponderante en la productora, y en su nueva casa filmó su primera película con TWE: Pray For Death con James Booth, Kane Kosugi y Donna Kei Benz dirigida por Gordon Hessler que se estrenó durante el mes de noviembre de 1985 en cines.


Diamant y Sarlui sin dudas explotaron todo lo que pudieron a Kosugi, aprovechando el enorme fenómeno de la moda Ninja que se instaló en Estados Unidos en los ochenta; por lo que actor primero realizó un video instructivo de artes marciales y acrobacias de acción titulado Master Class, que la productora le vendió a la editora USA Home Video para que la edite en 1985. Luego además, fue presentador de una serie de películas directo a video bajo la colección "Sho Kosugi Ninja Theater" que se lanzaron en 1986, algo que la propia Cannon Films haría posteriormente de manera similar al lanzar en video en 1989 “Michael Dudikoff Presents Action Adventure Theater” de la Cannon/Warner Home Video. Bajo la marca Sho Kosugi Ninja Theater se editaron como parte del catálogo unas 20 películas aproximadamente, donde el curioso material no eran más que titulos de "ninjas" con luchas de kung-fu taiwanesas y hongkonesas, mayormente de la productora  IFD Films and Arts Limited de Joseph Lai, con un nuevo doblaje al inglés realizado específicamente para esta edición. Previamente Sho Kosugi en cada entrega introducía un arma ninja diferente (Katana, Shikomizue, Jitte, Tekagi, Nunchaku, Shobo, etc.), explicando cómo se utiliza y posteriormente luego de hacer una demonstración de pelea con otro ninja presentaba el film correspondiente.

Títulos que formaron parte del Ninja Theater:

Ninja Terminator (1985), Flash Challenger (1973), Golden Ninja Warrior (1986), The Dragon The Odds (1977), Young Hero (1981), Shaolin Temple Strikes Back (1981), Challenge the Ninja (1986), The Great Massacre (1969), Venus the Ninja (1982), Wolfen Ninja (1982), The Little Heroes of Shaolin Temple (1972), Diamond Ninja Force (1985), Ninja the Protector (1986), Eagle Claws Champion (1974), Shaolin Drunk Fighter (1983), Champ Against Champ (1980), Ninja Champion (1985), Kingfisher the Killer (1981), Fists Of Dragons (1977) y Phoenix the Ninja (1981). Ninja Phantom Heroes de 1987 es un ejemplo de un título que podría haber sido parte de la colección, pero terminó teniendo un lanzamiento individual en video por parte de Trans World Entertainment.

-Publicidad con los primeros títulos de la colección Ninja Theater Hosted by Sho Kosugi.

Algunas carátulas de la colección de películas Sho Kosugi Ninja Theater y el logotipo presentación.


Hola a todos!! Comenzamos la historia de otra productora clase B. En los próximos meses iré publicando las siguientes entregas. Por lo pronto, se viene el análisis de una nueva película. 

Nos estamos leyendo =)
Fede

sábado, 18 de junio de 2022

Snuff (1976) dirigida por Michael Findlay, Horacio Fredriksson y Simon Nuchtern

Particular realización concebida por los azares del destino en nuestro país a comienzos de la década del 70; una película coproducida entre los Estados Unidos y la Argentina, filmada en Eastmancolor con muy bajo presupuesto y convirtiéndose en toda una curiosidad por su polémica, siendo famosa dentro del subgénero splatter y consiguiendo un reconocido status de culto. Para poder llegar hasta este inefable proyecto, hay que repasar un poco la tormentosa e intensa vida de los principales realizadores.
Michael Findlay, que creció en el confortable vecindario del Upper East Side de Manhattan, se encontraba en su juventud estudiando en el City College de Nueva York, y allí conocío a una mujer de unos 10 años más joven que él llamada Roberta Hershkowitz. A diferencia de Michael, Roberta se crió con su familia de inmigrantes húngaros en el peligroso y difícil barrio del Bronx, en un edificio que según ella afirmó en algunas entrevistas, no era muy diferente del derruido edificio que albergaba a los desafortunados residentes de su película Tenement de 1985; Pianista talentosa desde los cuatro años, comenzó a asistir al City College después de graduarse de la escuela secundaria dos años antes.
En esta universidad Michael Findlay se desempeñaba como director de un programa de películas mudas dentro del campus, y un día anunció que necesitaba un pianista que hiciera el acompañamiento musical de los filmes. Fue entonces Roberta, que tenía solo 16 años, quien se ofreció como voluntaria y el flechazo fue de inmediato, dando comienzo a una intensa relación personal y profesional que terminaría durando una década de relación; Es así que Michael fue introduciéndola al mundo de las extrañas, locas y raras películas viejas que él había visto, llevándola a las proyecciones que se hacían cada tanto en The Theodore Huff Society. Michael y Roberta se enamoraron rápidamente y se fueron a vivir juntos; es entonces que cuando Roberta cumplió los dieciocho años se casaron, ya que las familias de ámbos insistieron con el matrimonio. La obsesión de Roberta hacia Michael fue tan grande, que abandonó sus estudios de música para comenzar a colaborar en sus proyectos fílmicos de bajo presupuesto. Los primeros títulos realizados fueron Body of a Female (tristemente un título perdido de 1964), Satan’s Bed (1965) y Take Me Naked de 1966, donde la propia Roberta convenció a su esposo de que ella interpretara a las protagonistas femeninas, por temor a que Michael fuera tentado por otras mujeres (irónicamente, a principios de la década de 1970, la relación de la pareja colapsó cuando Roberta dejó a su marido por el distribuidor Allan Shackleton, como detallaré más adelante).
Hasta ese entonces el matrimonio Findlay, que trabajaban juntos o por separado, se especializaron en realizar más películas exploitation a fines de la década del sesenta, con títulos como The Closer to the Bone the Sweeter the Meat y All Night Rider (ambos films perdidos de 1969), A Thousand Pleasures (1968), The Ultimate Degenerate (1969), Crack-Up (1969) y Take My Head (1970) entre otras. Su siguiente proyecto, The Slaughter o simplemente Slaughter, era uno más como todo el resto de los films que tenían como premisa hacerlas lo más baratas posibles, para que fuera casi imposible perder dinero. Según contó Roberta Findlay, la elección de rodar en América del Sur se debió a que el productor Jack Bravman quería unas vacaciones fuera de los Estados Unidos. Además, ella tenía el talento de conseguir y juntar dinero para los que muchos consideraban sus dudosos proyectos artísticos, especialmente conocer personas que buscaban invertir su capital ahorrado, como doctores o dentistas, quiénes veían un cierto glamour en ser asociados con la realización de una película. Cuando un día tuvieron enfrente a varios inversores para The Slaughter, estos fueron convencidos por Michael Findlay y su socio para que entre todos pongan los 35.000 dólares requeridos, y tras pensar bastante la elección de un lugar exótico para filmar terminaron eligiendo la Argentina, ya que otro de los motivos que terminó por convencerlos fue la promesa que hizo Michael de que filmar ahí tendría un rentable sentido económico, al poder triplicar o hasta cuadruplicar su dinero, debido a que todo aquí en nuestro país era tan barato, incluso hasta pagarle a los actores y actrices.
La idea general del film fue de Walter E. Sear, mientras que Michael Findlay escribió el guión basado en los crímenes del Clan Manson, que por ese entonces transcurría el juicio por las muertes del caso Tate-LaBianca, y utilizar ese material para poder hacer un ambicioso film épico del género exploitation. La propia Roberta Findlay fue la encargada de ser la directora de fotografía (por su amplia experiencia en el manejo de cámaras) y encargada del equipamiento eléctrico; El score musical fue realizado por Rick Howard mientras que Jack Bravman fue el productor general, quién además financió buena parte de la película. El rol de director fue compartido entre Michael Findlay, que sabía hablar castellano, y el argentino Horacio Desiderio Fredriksson, realizando algunas secuencias adicionales; Fredriksson era en ese entonces distribuidor y productor de cortos publicitarios y largometrajes con su propia compañía llamada Delta Films, con quién el matrimonio Findlay hizo el enlace para venir a filmar en el país.
El acuerdo de los Findlay con Horacio Fredriksson y Delta Films incluyó un plan inicial de 10 coproducciones (si esta tenía éxito), por lo que se constituyó una joint venture denominada The Argentine Film Company of New York, donde los norteamericanos y Fredriksson eran socios en el proyecto. A esta primer película se la iba a promocionar con el título El ángel de la muerte, para el mercado latinoamericano, y The Slaughter, donde iba a ser conocida en el resto del mercado internacional. Horacio Fredriksson utilizó su propio estudio fílmico y alquiló los equipos para la película, donde el personal técnico de filmación era en su mayoría totalmente argentino y solo unos pocos de ellos hablaban inglés. Mientras los más experimentados fueron contratados por 60 dólares a la semana, otros como por ejemplo un asistente de camarógrafo fue contratado por unos 15 dólares a la semana; El resto que, en su gran mayoría, se dedicaron a tareas menores dentro de la producción recibieron un pago de solo unos 30 centavos de dólar por día. El tiempo que demandó todo el rodaje, desde que se iniciaron las filmaciones fueron unas 4 semanas en total, realizado estimativamente durante el lapso entre fines de febrero y fines de marzo de 1970. Algunas fuentes aseguran que solo se gastaron unos 30.000 dólares en el país, mientras que el resto se utilizó para costear todos los pasajes ida/vuelta y en la postproducción, algo que con ese primer presupuesto les hubiera permitido filmar en la ciudad de New York solo por unos 12 días.
Desde el momento en que llegaron al país, Roberta Findlay se dio cuenta que el guión que había escrito Michael era realmente horrible, malo y no tenía sentido alguno para nada, pero para él poco importaba ya que les había prometido a los inversores algo “diferente y especial” (sic); y aprovechando que ellos no tenían conocimiento de cine, incluso hasta ese día les mostró el guión y estos les respondieron que estaba bastante bien. En una entrevista que le hicieron en 1978, Roberta comentó que por las ideas del liberalismo moderno de New York que profesaba su esposo, éste se puso a hablar delante de los inversores de que había entendido ciertas implicaciones políticas sobre el caso Charles Manson, y que al vivir nazis alemanes en Argentina se podría pensar en una figura tipo Manson como alguien simpático, que al final terminaba matando a toda su familia alemana como una gran declaración política; Para continuar con las ideas confusas que decía Michael, según ella, este personaje a lo Charles Manson realizaba un discurso sobre matar a todos esos alemanes, y donde incluso su esposo se preguntaba si no existía un paralelismo con los israelíes suministrando armas a los árabes, algo que la realizadora nunca terminó de entender a qué se estaba refiriendo. De todas maneras, cuando tuvieron que hacer una traducción del guión al castellano para todos los actores y para el equipo técnico local, Roberta señaló que quizás algo de estas particulares ideas se perdieron con el cambio de idioma.
El elenco consistió en su mayoría de modelos con carreras muy conocidas y exitosas del momento dentro del ambiente artístico argentino. El jefe de producción les acercó a los Findlay a Mirta Teresita Massa, quién era conocida por ser la ganadora del certamen de belleza Miss International Beauty 1967, para que sea la estrella de la película; A Jack Bravman y al resto de los inversores les pareció una buena idea que sea la protagonista, ya que no había nada para perder. Mirta Massa leyó el guión que contenía bastante violencia y terminó aceptando ser la estrella del film, papel donde interpretaría a la joven Terry London (finalmente fue acreditada como Mirtha Massa en la original versión en inglés); Para el caso de la modelo Margarita Amuchástegui, ella consiguió el personaje de Angélica gracias a que en esa época trabajaba también como secretaria en la compañía de Horacio Fredriksson, lo que le acercó la oportunidad directa de trabajar en el proyecto, aunque ella no tenia experiencia alguna dentro del mundo del cine.
El resto de los protagónicos/as fueron para Clao Villanueva en el papel de Horst Frank, Ana Carro como Ana, Liliana Fernández Blanco haciendo de Susanna y Enrique Larratelli con el rol de Satán; también participaron los actores Alfredo Iglesias interpretando al padre de Horst y Aldo Mayo como Maximilian “Max” Marsh (apellido inventado por el propio Michael, ya que varias de sus películas las filmó el matrimonio con el sudónimo Julian Marsh). Se sabe que Michael Findlay, que interpreta dentro de la película a un detective, dobló al inglés la voz de su personaje y también el de “Max” Marsh, mientras que Roberta Findlay hizo lo propio con la voz de un personaje llamado Carmela entre otras, aunque no fueron acreditados.
Las locaciones del rodaje fueron varias, principalmente en el Delta del Rio Paraná, provincia de Entre Ríos (y de allí algunos días en la zona céntrica de Montevideo, Uruguay); otros lugares claves fueron los terrenos en la Costanera Sur de la ciudad de Buenos Aires, donde se estaba construyendo la Ciudad Deportiva de Boca Juniors, utilizándose como un aeropuerto internacional. El resto de las locaciones se situaron en varias calles de la Ciudad de Buenos Aires, el Aeropuerto de Ezeiza y finalmente en una isla del Tigre; En la escena final que transcurre en su totalidad dentro de una mansión, para poder filmar tranquilos la producción alquiló el lugar por una semana. Solo se presentó un incidente durante el rodaje, que Roberta Findlay lo comentó en una entrevista que le hicieron a mitad de la década del ochenta para la revista Fangoria; ella misma declaró que tuvieron un problema con el conductor del colectivo, que transportaba a todo el personal del equipo de filmación y donde casi no llegan al lugar a rodar: un día el chofer, que manejaba su antiguo micro de la década del 30, los llevaba a todos por una ruta de dos vías que se encontraba en una zona de colinas en la provincia de Entre Ríos, hasta que de repente casi choca contra tres camiones con trailers; el conductor (que no sabía manejar según ella), cuando llegaron a la cima de la colina saltó corriendo del micro y vomitó por todo el campo, hasta que luego de un rato el chofer volvió a subir de nuevo y siguió manejando por el resto de la colina como si nada.
Cuando los Findlay se llevaron todo el material filmado a los Estados Unidos, se hizo un redoblaje de voces hecho en su mayoría por el matrimonio, ya que la película fue filmada sin sonido debido a que los actores entendían muy poco inglés, y teniendo que decir la mayoría de sus diálogos en castellano; Después del trabajo que demandó la postproducción, finalmente The Slaughter estuvo lista para inicios de 1971. Lamentablemente el acuerdo de negocios con Argentina no pudo continuar, ya que Horacio Fredriksson murió el 3 de marzo de 1971 en un accidente aéreo, cuando éste se encontraba como director de fotografía filmando escenas adicionales en altura para el documental “Fangio: una vida a 300 por hora”, dirigida por Hugh Hudson que se estrenó ese mismo año.
Para completar la mala situación, el proyecto quedó trunco ya que los Findlay no consiguieron distribuidor que pusiera el film en la cartelera norteamericana; ninguna persona la quería según la propia Roberta porque era horrible. Hubo un intento de acuerdo de distribución con Joe Solomon de Fanfare Films pero declinó a último momento, cuando éste fue amenazado que le iba a caer la maldición de la MPAA (Motion Picture Association of America) de calificar la película como X (para mayores de 18 solamente), lo que le limitaba los canales de exhibición y entonces esta fuera un fracaso de taquilla; Así que si bien se hizo un poster promocional con el nombre The Slaughter, nunca vio la luz comercialmente en ninguna de las salas del país. Cuando la llevaron a California y la presentaron en la comisión revisora de la MPAA, estos le dijeron que todo eso que mostraba la película era asqueroso, que tenía demasiada violencia y que no podían realizar films sobre Charles Manson que sean favorables a su persona.
La relación entre Michael y Roberta Findlay siempre fue conflictiva, ya que la personalidad de él oscilaba entre las pastillas de Valium y el alcohol (y cuya historia familiar con su loca madre irlandesa y su hermanos, que también tenían sus problemas mentales, lo volvieron en ese entorno una persona inestable), pero había algo más sumado a los distintos intereses que tenían ambos sobre el tipo de películas a realizar: algún tiempo atrás Roberta dio a luz a una hija, y Michael se había aferrado desesperadamente a la esperanza de que un bebé podría reparar el matrimonio; la triste realidad fue que Roberta dió en adopción a la bebé, aprovechando que su marido se encontraba afuera por un viaje de negocios. Golpeado doblemente por su esposa, dejándolo por otro hombre y la firme decisión de entregar a su hija (que aunque buscara quedársela de alguna manera no lo consiguió), Michael estaba más que devastado y terminó de sepultar un matrimonio que venía arrastrando muchos problemas.
Posteriormente Roberta, cuando lo dejó, comenzó una relación sentimental con el productor Allan Shackleton, a quién ya conocía de antes. Se sabe que Shackleton en sus primeros años en el negocio de la distribución trabajó con Roberta Findlay, especialmente distribuyendo sus películas Rosebud (1972) y The Clamdigger´s Daughter (retitulada como Young and Innocent en 1974), por lo que compró en su momento el negativo de Slaughter al matrimonio Findlay a un ínfimo costo de solo 5000 dólares, para distribuirla también bajo el catálogo de su propia compañía A.L. Shackleton Films, Inc., distribuidora que en 1973 cambió de nombre a Monarch Releasing Corporation. Desde el inicio Monarch era una compañía de distribución cinematográfica de New York especializada en films del género exploitation y películas para adultos XXX.
En esa época en los cines de las zonas más bajas y marginales de la ciudad de New York era común que anunciaran cortos hechos en súper 8mm o 16mm, mostrando escenas con sexo (algunas hardcore) seguido o terminando con una muerte o asesinato, que en si era todo fingido y falso pero que cobró notoria publicidad y causó mucha sensación por aquél entonces, pero este nuevo género al que se lo denominó cine snuff desde el principio estuvo fuera de la ley. Muchos productores y directores, ávidos de obtener dinero rápido, no tardaron en buscar la manera de hacer este tipo de películas. Por eso de aquí vino el mito de larga data del llamado cine “snuff”: muertes comprometidas producidas en Sudamérica también para el mercado hogareño y para el disfrute de pequeños círculos de hombres de negocios poderosos, hastiados con las emociones de la erótica regular. Los rumores de estos coleccionistas subterráneos de películas con muertes ganaron fuerza y continúa hasta el día de hoy, todavía sin absolutamente ninguna evidencia de primera mano.
El término Snuff fue acuñado originalmente por Ed Sanders en su libro de 1971 sobre Charles Manson titulado “La familia” (The Family); Sanders afirma que la familia Manson filmó orgías, sacrificios de animales y asesinatos en una playa. Es ahí donde entra en escena el inescrupuloso Allan Shackleton, donde un día de 1975 se encontró leyendo un diario sobre estas películas que el FBI estaba rastreando y pensó que era una buena idea, por lo que tomando ventaja de estos rumores escogió la palabra Snuff de ese artículo para renombrar la película.
Si bien en si el film no tenía un argumento sólido o actuaciones destacadas, Shackleton comanda a su asociado Carter Stevens, que también formó parte de la distribuidora Monarch Releasing Corporation en la realización de films pornográficos, para que comenzara a modificar y editar el film. El propio Stevens nunca había visto la película y en principio tuvieron que modificar el título The Slaughter, ya que el productor general Jack Bravman (quién puso el dinero originalmente), había llegado a un acuerdo extrajudicial, a cambio de recibir un pequeño pago para él y su socio Michael Findlay, con la American International Pictures para permitirle usar el título Slaughter para su película del género blaxploitation, protagonizada por Jim Brown que se estrenó en 1972, por lo que se vieron legalmente obligados a no poder utilizar el título original.
Carter Stevens prestó su estudio de filmación, donde se hacían películas para adultos, que estaba situado en su propio departamento en una zona de Manhattan, ciudad de New York, para que se rodara el nuevo epílogo con actores norteamericanos, lo cuales iban a realizar la secuencia final de la muerte de una de las actrices a manos del director (que fue interpretado por el actor Brian Cary), con ayuda de algunos miembros del equipo técnico de la película, entre los que se encontraba la actriz Tina Austin que hacía de una script-girl/continuista. Para eso se recurrió al realizador Simon Nuchtern, que en ese entonces era el editor de trailers de muchos de los films de Monarch, quién fue la persona que se encargó de filmar este nuevo final acorde a las ideas de promoción y producción de Allan Shackleton; Por lo tanto, el cierre original de Slaughter fue suprimido y siendo reemplazado por una escena donde se mostraba un asesinato en primer plano, culminando con un final de corte abrupto sugiriendo que la filmación no estaba planeada y que el asesinato de una de las protagonistas era auténtico.
Es por esto que dentro de las ideas marketineras pensando en relanzar esta película, que hasta entonces se mantuvo archivada 4 años sin ver la luz, fue diseñar una fuerte campaña publicitaria que aseguraba que se mostraba una muerte real; Shackleton se dio cuenta que con esta oportunidad iba a obtener muchas ganancias con un film que prácticamente compró por casi nada. Otro de los hombres que se sumaron fue Barry Glasser, que era un formado crítico de cine y editor asociado para la revista The Independent Film Journal, donde su rol era ayudar con la peculiar publicidad de Snuff y sucesivamente para los futuros lanzamientos de Monarch Releasing Corporation.
La estrenaron en algunos cines de Indianapolis y Philadelphia el 16 de enero de 1976, donde las autoridades locales forzaron a retirar la película de la cartelera; luego le siguieron funciones en las ciudades de Santa Clara y Saint Paul, donde los oficiales obligaron a los cines a dejar de mostrar la película. Durante el mes de febrero del mismo año se pegó un póster de, la ahora rebautizada Snuff, en los exteriores del National Theater (Teatro Nacional) de la zona de Times Square en New York. El póster destacaba la leyenda “X for violence” (Calificación X por violencia) y la famosa frase “¡La película que sólo podría hacerse en Sudamérica... donde la vida es BARATA!”; hasta ese entonces la letra X quedaba mayormente relegada a la calificación del cine porno.
Para continuar con el armado promocional que iba llamando aún más la atención, Allan Shackleton reunió a un grupo de hombres y mujeres, los cuáles les pagó para que simularan ser un grupo de protesta en contra de la película. En la ciudad de New York actuaron frente al National Theatre, apareciendo estos grupos de personas llevando carteles, como por ejemplo con la frase “La muerte no es divertida” entre otras y disuadiendo a los espectadores para que no entren y vean el film; Quiénes si se animaron a entrar y la vieron observaron un material al que dieron crédito de su origen sudamericano: doblada al inglés (mayormente con las torpes voces hechas por el matrimonio Findlay) y con los créditos finales de sus realizadores removidos completamente, siendo otra de las ideas publicitarias de Allan Shackleton para aumentar el halo de misterio que rodeaba su producción. Lo que se consiguió fue que posteriormente verdaderos grupos de manifestantes, especialmente grupos de mujeres, salieran a protestar frente a los cines con pancartas y carteles en contra de la película; incluso un día un grupo de mujeres autodenominadas feministas fueron enojadas hasta la oficina del distribuidor con el firme propósito de darle una paliza, Shackleton trabó la puerta y tuvo que llamar a la policía para que se lleven a todas las mujeres.
Hasta ese entonces la Monarch Releasing Corporation era conocida en el mercado de distribución en cines de comedias sexuales de bajo presupuesto, muchas producciones que la distribuidora tuvo que reeditar para cambiar la calificación X (solo para adultos) a una más aceptable R de Restricted (donde menores de 17 años requieren acompañamiento de un adulto), y así que se pudieran estrenar en la mayor cantidad de cines, obteniendo mucho dinero en el proceso. Snuff representaba dar un paso más allá y cobrar notoriedad con un truco publicitario que permitiera a Shackleton destacarse por sobre sus competidores, más allá de la noción de que si fue bueno o malo trascender con una película como esta. 
Los críticos estaban disgustados por el hecho de que continuara publicitándola, los dueños de los cines fueron amenazados con cargos de indecencia por atreverse a exhibirla, y entonces la oficina del Fiscal de Distrito de New York, a cargo de Robert M. Morgenthau, ordenó una investigación al respecto, donde incluso la agencia del FBI también examinó la película. Particularmente en las ciudades de New York, Boston y Los Angeles el film cobró cierta notoriedad y se volvió bastante popular. En el número de agosto de 1976 de la revista pornográfica Swank, el productor Shackleton dijo en una nota con un tono inocente: "No tengo forma de saber si los asesinatos de esta película fueron reales" (sic). Los resultados de la campaña de marketing fueron efectivos y Snuff fue un éxito sensacional, jugando con la capacidad de las multitudes ofendidas que protestaban en las grandes ciudades de Estados Unidos; Snuff recaudó en el lapso de 3 semanas unos 300.000 dólares, con un trailer hecho de manera simple pero efectiva, que puso en escena una controvertida idea que expuso los miedos más profundos de las personas tratando de recrear un éxito causando mucha indignación. Una película supuestamente "clandestina" e ilegal que fue anunciada abiertamente en los periódicos y estrenada en los cines (a diferencia de ser mostrado en las denominadas guaridas pervertidas clandestinas).
Finalmente, y tras una nota aparecida en el semanario Variety indicando que lo que se mostraba en la película era mentira, el Fiscal de Distrito de Nueva York Morgenthau terminó descartando el supuesto asesinato "real", ya que para cualquiera que veía el film era evidente que se trataba solo de “trucos de fotografía convencionales”; además aseguró al público que la actriz aparentemente desmembrada y asesinada en el final de la película "estaba viva y bien", añadiendo que había instado a la policía a iniciar su búsqueda. Tampoco encontró fundamento para el enjuiciamiento penal relacionado con las leyes sobre pornografía o las leyes contra el fraude al consumidor en relación con la publicidad de Snuff. Sin embargo, Morgenthau terminó declarando que le había preocupado "el hecho de que este tipo de película pudiera incitar o alentar a las personas a cometer actos de violencia contra las mujeres".
Algo que generó Snuff fue que el propio Allan Shackleton fuera expulsado de la Adult Film Association of America, ya que el resto de los miembros no estaban cómodos con la película, considerando que les afectaba a sus intereses con una representación negativa. Esto debido a su calificación de "X" similar a la pornografía, aunque el film carece de sexo real o desnudez, salvo algunas tomas de una actriz argentina en topless.
Ya a inicios de la década del 80, las copias de vídeo comenzaron a aparecer en USA; La primera vez que se pudo ver algo de Snuff en vídeo hogareño fue en 1983, como parte del film recopilatorio Filmgore dirigida por Ken Dixon. El VHS de este titulo fue editado por el sello Force Video del realizador Charles Band, presentando fragmentos de escenas de películas tan notorias como The Driller Killer de Abel Ferrara, Bloodfeast y Two Thousand Maniacs de Herschell Gordon Lewis, y por supuesto la propia Snuff, mostrando algunas escenas con una duración de 15 minutos aproximadamente de esa película. Finalmente apareció editada en VHS por otra editora de Band llamada Cult Video, siendo este título su quinto lanzamiento; Cult Video (que luego el realizador recuperó este nombre en una segunda etapa para continuar editando films de su antiguo catálogo en los 90) era un sello distribuido por la compañía TVS, Inc. y en la parte inferior de su portada contenía la leyenda “Los actores y actrices que dedicaron sus vidas a hacer esta película no se volvió a ver o a oír nada de ellos otra vez”.
Posteriormente Snuff fue editada en formato big box (caja de cartón grande como las porno) por la editora de corta vida Video Warehouse, Inc. en 1986; la edición contiene la frase “Prohibida en 32 estados. ¡Ahora! Véala en la privacidad de su hogar” escrita en el recuadro superior. Y también tuvo una edición en la década del 90 en formato slipcase a cargo de una editora desconocida de New Jersey llamada Telepix Inc., mencionando que fue prohibida en 31 países y con la particularidad de presentar dos versiones de la película: la original hablada en inglés y otra con un nuevo doblaje en español realizado para el mercado latino.
Luego de ser prohibida y catalogada en Gran Bretaña dentro de la lista de las llamadas "Video nasties" a mitad del 83, Snuff tuvo múltiples lanzamientos no oficiales como video piratas cortesía de "empresas" que se ocupaban de sacar ediciones no autorizadas sin licencia, o ediciones de colección como la de Something Weird Video.
El film nunca se exhibió en nuestro país, ni nadie tuvo intención siquiera de editarla en video hogareño, aunque posiblemente alguna copia pirata en video empezó a circular cuando ya estábamos en democracia en los años 80 o durante los años 90 en ciertos circuitos under, donde se pudieran conseguir este tipo de materiales. En el año 2003 la empresa editora del realizador William Lustig, Blue Underground, lanzó una edición limitada en DVD (sin menús, emulando una edición pirata, en formato fullscreen 1.33:1 sin restaurar) y a partir de ahí se sabe que la compañía es el actual poseedor de los derechos de la película; La editora posteriormente la relanzó en una nueva edición restaurada en formato widescreen en DVD y en Blu-ray de alta definición que se puso a la venta el 22 de octubre del 2013.
La desgracia siguió rondando la vida de Michael Findlay, quién tras la separación de su esposa entró como realizador en la industria del cine para adultos gay; en esos años parecía que las cosas estaban mejorando, e incluso había desarrollado una cámara 3D portátil con muy poco dinero y se encontraba en tratativas para hacer una demonstración del prototipo a potenciales inversores en el Festival de Cine de Cannes. Sin embargo, el 16 de mayo de 1977 también marca la fecha de una horrible tragedia: mientras Findlay, sosteniendo su cámara en mano, se encontraba a punto de abordar un helicóptero Sikorsky S-61 en el techo del entonces rascacielos Pan Am (hoy en día el edificio MetLife), que hacía unos pocos meses había retomado un servicio de vuelos desde el helipuerto del techo del rascacielos hasta la terminal de Pan Am en el Aeropuerto Internacional John F. Kennedy, las cosas se salieron de control. Luego de que el helicóptero aterrizara y desembarcaran sus veinte pasajeros, el tren de aterrizaje delantero derecho se rompió, haciendo que el helicóptero se cayera de costado con los rotores aún girando, generando que una de sus cinco aspas, de seis metros de longitud, se rompa y se desprenda del helicóptero dirigiéndose hacia una multitud de pasajeros que estaban esperando embarcar. En el lugar murieron tres hombres al instante, uno de ellos Michael que fue decapitado por el rotor, mientras que otro hombre murió posteriormente en el hospital, además de que los cuerpos recibieron laceraciones profundas. Es así que el cine tristemente perdió a un cineasta innovador y trasgresor de bajo presupuesto, que con su invento pudo haberse destacado dentro de la industria.
Por el lado de Roberta Findlay, ella manifestó nunca haber visto Snuff cuando se estrenó en los cines; Después de finalizar su relación con el repugnante Allan Shackleton, cuando tras una discusión él le terminara propinando un puñetazo en la cara, causando que Roberta se cayera por unas escaleras, se terminó convirtiendo en una de las primeras directoras de porno hardcore (aunque en muchas se acreditó con seudónimos masculinos). Entre sus títulos significativos se encuentran principalmente Angel Number 9 (1974), The New York City Woman (1977), Mystique (1979) y Shauna: Every Man's Fantasy (1985), además de codirigir Justine: “A Matter of Innocence” en 1980. También se volvió una referente del cine explotation dirigiendo, y ejerciendo tarea de montajista, en una serie de filmes de terror en la década del ochenta que hoy en día son de culto, a través de su propia compañía productora Reeltime Distributing Corporation, hasta que finalmente se retiró de la realización de películas, tras el fracaso en las negociaciones al no conseguir ni un distribuidor de cine, ni tampoco compañías de video hogareño que estuvieran interesadas en estrenar su última película titulada Banned de 1989; Durante esta etapa siempre contó con la asistencia de su compañero y pareja de larga data, el hoy fallecido Walter Sear. Sear fundó el Sear Sound: el legendario estudio de grabación más antiguo de la ciudad de Nueva York; Y actualmente lo último que se conoce sobre Roberta Findlay luego de retirarse de la industria del cine es que se encarga ella misma de dirigir el estudio.

Resumen argumental de la película

Un joven hombre autodenominado Satán se constituyó como el líder de un culto homicida de características hippie, siendo de igual forma que la secta de Charles Manson, desplazandose de manera nómade en diversas zonas rurales, alejados de la urbe; Una banda de crueles mujeres que se desplazan en motocicleta son sus más fieles seguidoras y ellas están dispuestas a cometer brutales asesinatos, y además tener sexo desenfrenado y libre, en nombre de la persona que tanto veneran y aman. Mientras Satán les pide lealtad y obeciencia, caso contrario encontrarán la muerte dentro de este culto satánico, el siniestro grupo realiza una serie de crímenes y siembra el terror en la población con sus actos violentos.
Paralelamente, la joven actriz promesa de los Estados Unidos, la neoyorquina Terry London llega de su vuelo a Montevideo, Uruguay, en compañía del productor Max Marsh, para iniciar el rodaje de su nueva película aquí en Sudamérica, pero un inversionista del film que iba a recibirlos en el aeropuerto es asesinado por una de las mujeres del clan. Cuando ambos llegan a la casa que preparó el estudio para la actriz, de inmediato London se quita de encima al productor, que no para de intentar seducirla. Rápidamente llama por teléfono a Horst Frank, un millonario de familia alemana al que conoció no hace mucho en Nueva York y con el que mantiene un interés sentimental a espaldas del productor Marsh, para avisarle que estará en la ciudad durante dos meses para las filmaciones, y que espera iniciar un plan con él para pasarla juntos y divertirse con las atracciones turísticas que ofrece el país, particularmente Punta del Este ya que es época de carnaval.
Horst se encuentra viviendo en la mansión de su padre con Angelica, una de las chicas con las que tanto acostumbra pasar el tiempo, pero en verdad ella también es una de las mujeres adoradoras de Satán; Cuando Horst le comunica que Terry está embarazada y se vendrá a vivir con él, la despechada Angelica se vengará comunicándole la noticia al resto de las mujeres y a su líder Satán, al que justo entre sus planes se encontraba el obtener de alguna manera un bebé varón para iniciar un sacrificio. Aprovechando los contactos de Angelica, ahora tendrán un acceso fácil a la reconocida actriz, que se encuentra transitando su reciente embarazo feliz junto a su pareja y pasando sus días laborales en la gran mansión, ubicada en las afueras de la ciudad.
El culto homicida decide que ella y todos los que la acompañan sean su próximo blanco de multilación y asesinatos, dentro de un espeluznante ritual de sacrificios. ¿Cuál será el destino de Terry London a manos de estas salvajes mujeres, que están dispuestas a cometer una sangrienta masacre solo por lealtad y fiel obediencia a su desquiciado líder?

Análisis

Para el análisis de esta película utilizo la edición en blu-ray realizada por Blue Underground en 2013; La compañía se caracteriza actualmente por sus cuidadas y espectaculares ediciones en blu-ray y en formatos 4K, con muchos extras y subtítulos en múltiples idiomas, restaurando las películas en alta definición. Particularmente en este caso, el film se encuentra en formato widescreen 1.66:1, donde si bien no tuvo una restauración demasiado exhaustiva, quizás se deba a que el negativo no se encontraba en las mejores condiciones; aunque hay que decir que frente a la edición anterior de la editora en dvd en formato 1.37:1 full frame de pantalla, el resultado es sorprendentemente decente e implica una gran mejora en los colores. La pista de audio en mono se encuentra remasterizado en DTS-HD Master Audio y contiene solo subtitulos en inglés para hipoacúsicos.
Entre el material extra se encuentra pimero una breve “introducción” hecha por el realizador danés Nicolas Winding Refn, dandoles una bienvenida a los espectadores del Bluray además de compartir rápidamente su aprecio por la película.
Luego se encuentra "Shooting Snuff": una entrevista de diez minutos con el realizador Carter Stevens, comentando sobre la creación de la película después de que The Slaughter fuera comprada por Allan Shackleton, la creación del final controvertido en su estudio y la indignación que le causó en ese momento el film a varias personas; También Stevens acredita a Simon Nuchtern como el director de la escena final, algo extraño porque durante años se pensó que el mismo Carter Stevens había dirigido la escena. Se muestran imágenes fijas del set con Stevens operando una cámara, pero no se da otra información sobre por qué fue considerado el director oculto durante décadas desde que la película se estrenó.
Lo siguiente es "Up To Snuff": una entrevista propiamente dicha de siete minutos con el mencionado realizador Winding Refn, que se enorgullece de ser un fan de la película, pero que en verdad su afición pasa más por la idea sobre el "cine fetiche" y todo el atractivo del bajo presupuesto que contiene "Slaughter/Snuff" que el metraje en si; quizás lo llamativo sea que una de las cosas que menciona es que aunque le encanta probablemente no vuelva a verla. "Porn Buster" es otro segmento de unos cinco minutos de duración con el agente retirado del FBI William "Bill” Kelly, donde comenta que ha trabajado en la investigación sobre la veracidad de las llamadas películas "snuff", la escalada en el terror que se generó en la cultura pop y sobre el grupo de coleccionistas underground que se cree pagan grandes sumas de dinero por verlas. Como era de esperar, termina disipando todos los rumores de que tales actividades tenían lugar al menos durante su largo mandato trabajando para el FBI.
La "Controversy Gallery" presenta una selección de artículos periodísticos y fotografías que informan justamente sobre la controversia causada, las protestas que se armaron y reseñas de la película; Este material es especialmente importante ya que muestra cómo Snuff fue realmente recibido en el momento sin ningún filtro. El disco contiene también otra “Galería de imágenes”, donde se muestran varios pósters y lobby cards, algunas bajo su título alternativo Big Snuff (aunque una de estas tarjetas claramente no es de esta película); además de una selección de portadas de las ediciones en VHS y como material de marketing algunas fotos del detrás de escena del infame final agregado por Shackleton.
Finalmente tenemos "Snuff: The Seventies And Beyond": un ensayo informativo escrito por Alexandra Heller-Nicholas sobre el cine exploitation y que hace un buen trabajo de poner a Snuff en un contexto histórico con respecto al movimiento de mujeres y los círculos de censura. Por último, trae el theatrical trailer restaurado en HD y el trailer alemán en definición standard, bajo el título American Cannibale, con el que se la conoció en el país europeo. Hay que decir que Blue Underground intentó rastrear el final original de Slaughter, pero después de un prometedor inicio y tras meses de búsqueda terminó lamentablemente sin poder hallarlo.
La carátula del blu-ray contiene en su portada la imagen del poster original de cine, por lo que Blue Underground mantuvo en todo su diseño el color blanco de fondo; la contratapa presenta una correcta síntesis de la trama, haciendo mensión al cambio que Allan Shackleton le hizo al metraje original para relanzarla en cines y acompañado de dos fotografías del film. Por último, además de los datos técnicos y el detalle de todo el material extra que trae, la contratapa contiene una crítica periodística y una frase que da cuenta que los actores y actrices que realizaron la película nunca se los volvió a oir o ver de nuevo (al igual que en su primera edición en VHS). Ahora pienso que hubiera sido interesante que la editora hiciera esa búsqueda en nuestro país, de los que quedaron vivos al momento de este lanzamiento, para hacerles una entrevista, especialmente Mirta Massa; pero hoy en día ella desde hace unos años se encuentra con unos problemas de salud por lo que ya no va a ser posible, una pena realmente.
Las primeras tiradas de Snuff que Blue Underground lanzó al mercado, tanto en blu-ray como en dvd, se hicieron con estuches de color rojo para que sean más llamativas. Hasta el momento es la única edición restaurada en alta definición que se hizo del controvertido film en todo el mundo.

La primera edición de Blue Underground en DVD de la película Snuff es una edición limitada y numerada, siendo la versión completa sin cortes (como su posterior lanzamiento en Blu-ray). Contiene una catátula diseñada como si fuera una bolsa de papel marrón, emulando el motivo “barato” y clandestino del film. Esta edición no presenta menús, ni selección de capítulos ni tampoco características especiales.

-Uno de los afiches de la película que contiene la calificación X para los cines.

-Posible póster de la versión original de The Slaughter que nunca llegó a estrenarse.

-Póster alternativo del estreno de la película en los cines.

-Fotografía de una de las protestas en el cine National Theater de Nueva York, algunas de las mujeres portan carteles y pancartas indicando la violencia que presenta la película.

-Portada del Blu-ray norteamericano de Blue Underground.

Finalmente!!! Justo después de cuatro meses exacto vuelvo con un nuevo, y en este caso espectacular, análisis de una película. Particularmente debo contarles que escribir esta extensa reseña me llevó mucho tiempo de investigación y lectura, habiendo comenzado en los meses finales del año pasado a redactarlo; Quise esperar a ultimar algunos detalles del material escrito y fotos antes de publicarlo. Ojalá que la espera haya valido la pena, seguro que si. :)
Agradezco a mi amigo Uriel Gonzalo Barros por facilitarme un material interesante que me sirvió mucho para complementar la info presentada en este post.
Mientras tanto, por mi parte continuo escribiendo nuevos informes, así que seguro algo de eso verá la luz en el transcurso de este año; paciencia que el blog sigue activo y en marcha.

Hasta la próxima.
Federico

viernes, 18 de febrero de 2022

Historia de Imperial Entertainment Corp. (1987-1999)

Imperial Entertainment Corporation fue fundada el 13 de febrero de 1987 como una empresa conjunta entre la compañía de cine y editora de video danesa Scanbox Entertainment y los hermanos Shah, que eran de nacionalidad india (Sunil R. Shah, Ash R. Shah y Sundip R. Shah). Los primeros pasos de Sunil R. Shah en la industria del cine fueron en la compañía Trans World Entertainment de Moshe Diamant y Eduard Sarlui, como ejecutivo a cargo de la producción en el film Creature en 1985, de ahí pasó a ser productor exclusivo para Sho Kosugi tanto en Master Class como en la película estrenada en cines Pray for Death (1985). Sus últimos trabajos dentro de Trans World fueron en 1987 con los títulos Rage of Honor (filmada en Argentina) y Programmed to Kill con Robert Ginty y Sandahl Bergman.
En ese mismo año Sunil se asoció con sus hermanos Ash y Sundip para producir sus propios proyectos, y encontró un capital seguro al asociarse con Scanbox Entertainment, fundada en 1980, siendo una de las distribuidoras independientes líderes en toda la zona de Escandinavia todavía hasta el día de hoy. El director de Scanbox, Anders P. Jensen, hacía bastante tiempo que buscaba hacer pie en el difícil mercado norteamericano para realizar sus propias películas, y encontró en los hermanos Shah la oportunidad para concretarlo. De la joint venture surgió Imperial Entertainment Corporation y además se propusieron crear una editora de películas en vhs para los Estados Unidos, consiguiendo un catálogo de películas independientes clase B tanto nacionales como extranjeras para abastecer el mercado del videoalquiler. Las oficinas comerciales de Imperial se encontraban en la avenida Lankershim 4640, segundo piso en North Hollywood (California).
Los hermanos Shah mantuvieron un estilo en producción de películas y ediciones en video similar al de Trans World Entertainment, incluso manteniendo las mismas temáticas en los géneros dentro de su catálogo, con versiones en inglés de films italianos y varias producciones de bajo presupuesto de artes marciales, acción, westerns, thrillers eróticos, comedias y terror en su primera época en video. Al comienzo editaron mucho material en su mayoría de la productora y distribuidora italiana Filmirage, Produzioni Cinematografiche Massaccesi International (PCM) del realizador Joe D'Amato, las productoras hongkonesas Filmark International Ltd. dirigidas por Joseph Lai y Godfrey Ho, y Seasonal Film Corporation de Ng See-yuen. Además ha lanzado algunos títulos de Axis Films International del realizador Gregory Hippolyte y de la productora Shapiro Glickenhaus Entertainment (SGE) como Black Roses (1988), cuyo vhs contaba con una cubierta en relieve en su portada que sigue siendo icónica hasta el día de hoy, y el film Pledge Night (1990) con música de la banda de thrash metal Anthrax.

-Portada lenticular de la edición en VHS de Black Roses (1988).

-Imagotipo de Imperial Entertainment utilizado entre 1987 hasta 1996.

Cobra Mission (1986), retitulada como Operation Nam fue la primera película editada en vhs por Imperial Entertainment Corp. en 1987, luego le seguirían varios films como The Overthrow (1987), Scalps (1987), Metamorphosis (1990), Cobra Vs. Ninja (1987), Thunder Warrior III (1988), The Ultimate Ninja Challenge (1978), Night of the Ninja (1988), Demons 2: The Nightmare Returns (1986), Ballad of Death Valley (1965), Stage Fright (1987), Beyond the Law (1968), The Mines of Kilimanjaro (1986), No Big Deal (1983), Beyond Darkness (1990), Blood at Sundown (1965), White Apache (1987), Buford's Beach Bunnies (1993), Mark of the Scorpion (1986), Powaqqatsi: Life in Transformation (1990), Ghosthouse (1988), Deadline Auto Theft (1983), Sweet Hostage (1975), The Returning (1983), Specters (1987), Robbery Under Arms (1985), Chains (1989), Stay Tuned For Murder (1987), The Chair (1988), The Bikini Carwash Company (1992), Prisoner of Rio (1989), The Shaman (1987), Obsession: A Taste For Fear (1988), No Retreat, No Surrender 3: Blood Brothers (1990), China White (1989), Undeclared War (1990), Under Lock and Key (1995), Secret Games (1992), The Pamela Principle (1992), The Other Woman (1992), Beauty School (1993), The Dark (1993), Night Rhythms (1992), Silk Degrees (1994), Mortal Danger (1994), Uninvited (1992), The Club (1994), Wild Cactus (1993), Deep Down (1994), Killer Looks (1994), Tammy and the T-Rex (1994), Ironheart (1992), Karate Cop (1991), My Samurai (1988), Secret Games 2: The Escort (1993), Ulterior Motives (1992), Ballistic (1995), Pushed to the Limit (1992), Action U.S.A. (1989), The Great Bikini Off-Road Adventure (1994), Shadow Force (1992), Fearless Tiger (1991) con Jalal Merhi y Bolo Yeung, BMX Bandits (1983) dirigida por Brian Trenchard-Smith y The King of the Kickboxers (1990) protagonizada por Loren Avedon y Billy Blanks.
Entre otros de sus lanzamientos más recordados en video se encuentran la película de acción/ciencia ficción R.O.T.O.R. (1988) de Cullen Blaine, Blood Warriors (1993) dirigida por Sam Firstenberg con David Bradley y Frank Zagarino, y los films de terror The Dead Pit (1989) escrita y dirigida por Brett Leonard y Mikey (1992) de Dennis Dimster-Denk con las actuaciones de Brian Bonsall y Ashley Laurence. Imperial además editó varias películas con Cynthia Rothrock: China O’Brien 1 y 2 (ambas de 1990), Angel of Fury (1992), Lady Dragon (1992), Lady Dragon 2 (1993), Honor and Glory (1993) y Guardian Angel (1994); También del kickboxeador y actor Don “The Dragon” Wilson hicieron lo mismo con Ring of Fire (1991), Cyber Tracker (1994) y Red Sun Rising (1994), todas producidas por la PM Entertainment Group Inc.

-Secuencia de imágenes del video promocional de Imperial con un reel de trailers hecho para Halloween a fines de los 80.

Principalmente Imperial también fue otra de las productoras que se sumaron a la ola Ninja que había explotado en los 80 e idearon su primer proyecto como productores, tomando la decisión de contratar a Sho Kosugi, que venía de terminar su etapa en Trans World Entertainment, y al actor especialista en artes marciales belga Jean-Claude Van Damme para que protagonizaran el film Black Eagle, dirigida por Eric Karson y lanzada por Imperial en los cines que fue estrenada en mayo de 1988; como aún la empresa era nueva los derechos de distribución cinematográficos en USA fueron otorgados a la distribuidora Taurus Entertainment Company, y posteriormente Imperial Entertainment pudo consolidar su propia división de cine cuando la editora de video comenzó a ser un negocio fructífero y rentable en el mercado. Black Eagle fue editada luego en vhs por el sello Best Film & Video Corp. a través de la propia Imperial con muchísima repercusión. Imperial Entertainment también tenía divisiones de video en el Reino Unido y Polonia, editando un catálogo diferente al de USA.
Los ejecutivos en Imperial Entertainment pusieron sus ojos en Olivier Gruner, un antiguo miembro de las fuerzas especiales de la Marina francesa y campeón mundial de Kickboxing que se había retirado en 1987. Gruner, interesado en seguir los pasos de fisicoculturistas como Reg Park y Arnold Schwarzenegger, eligió pasar a la industria del cine para convertirse en una estrella de cine, por lo que viajó al Festival de Cine de Cannes en 1987 para colgar carteles de sí mismo alrededor del festival y realizar una autopromoción de su figura. Los hermanos Shah, buscando algún actor para sumarlo a su compañía, notaron atentamente lo que estaba haciendo y tras una charla programaron una reunión. Olivier Gruner días después viajó a Los Ángeles para hacer algunas pruebas de pantalla, tras pasar esas pruebas fue el comienzo de una carrera dentro del cine para él. De todas maneras, los ejecutivos decidieron empezar de abajo con un proyecto menor, para así luego de que adquiera la suficiente experiencia como actor poder otorgarle proyectos más ambiciosos y de mayor presupuesto. Tras firmar un contrato se inició con Angel Town en 1990, donde fue reconocido por algunos críticos por su presencia, así como sus habilidades de artes marciales dentro de la película; esto animó a preparar su siguiente proyecto: Nemesis en 1992 y dirigida por Albert Pyun. El film de estilo cyberpunk y ciencia ficción se estrenó en las pantallas grandes en enero de 1993 y fue el gran suceso de la compañía, los medios especializados alabaron el trabajo de los dobles de acción, así como también las secuencias de acción y los efectos especiales.

-VHS de Nemesis editado por la propia editora de Imperial Entertainment en Polonia.

Lamentablemente Scanbox, a pesar de que Angel Town y Nemesis fueron un gran éxito en video y en los mercados internacionales, tomó la decisión de no seguir apostando por proyectos más caros y dejó ir a Gruner terminando su contrato, quién al ver que no le pasaban nuevos guiones para realizar se retiró a otras compañías para seguir su carrera, filmando títulos como Savate (1994) y Automatic (1995). Esto sucedió debido a que en 1994 la película Double Dragon: The Movie, la adaptación del popular videojuego creado en 1987 por la compañía japonesa Technos Japan Corporation, dirigida por James Yukich y con las actuaciones de Mark Dacascos y Scott Wolf como los hermanos Jimmy y Billy Lee respectivamente, junto a Robert Patrick como Koga Shuko y Alyssa Milano, no obtuvo los resultados de recaudación esperados. Imperial coprodujo la película con financistas franceses y norteamericanos costando casi 8 millones de dólares en total, pero solo pudo conseguir apenas unos 2 millones y medio, lo que drenó mucho del capital de la compañía. Esto encendió la alarma en los ejecutivos daneses dentro de Scanbox Entertainment y tomaron la decisión de ir acortando todos los proyectos, lo que llevó a una muy poca producción de películas para los años siguientes.

-Poster de Double Dragon.

Tras el éxito de Black Eagle, Jean-Claude Van Damme realizó su siguiente film para Imperial: Lionheart, rodada en 1990 con el nombre de Wrong Bet y luego modificada durante la post producción, resultando otro éxito absoluto recaudando más de 24 millones de dólares en todo el mundo. Primero se estrenó en los principales mercados internacionales antes de exhibirse en los Estados Unidos, donde Universal Pictures consiguió los derechos de distribución para cines y la estrenó el 13 de enero de 1991; a partir de ese momento se inició una asociación entre las dos compañías para poder realizar más films con el actor belga, aunque solo pudieron completar Sudden Death lanzada a finales de 1995. Otros films realizados a través de los hermanos Shah fueron Showdown (1993) de Robert Radler con Billy Blanks, Kenn Scott y Patrick Kilpatrick, y Sabotage (1996) dirigida por Tibor Takács, con Mark Dacascos, Carrie-Anne Moss y Tony Todd hecha en coproducción con Applecreek Communications Inc.

-Variante del imagotipo de Imperial Entertainment hecho para el mercado del Reino Unido.

Por lo general en el manejo dentro de la productora Imperial, Ash R. Shah tenía el cargo de productor general junto a Anders P. Jensen como productor asociado, mientras que Sunil y Sundip R. Shah ocupaban el rol de productores ejecutivos para todas las películas que se iban realizando. Durante la primera mitad de la década del 90, Scanbox compró las acciones restantes de Imperial Entertainment, quedando los hermanos Shah solo como ejecutivos dentro del directorio. Imperial continuó lanzando varias películas independientes en video mientras seguía financiando la producción de sus propias películas hasta 1996, tras estrenar el telefilm To the Ends of Time (1996): la última que produjeron los 3 hermanos Shah. En 1995 la editora Imperial Entertainment Corp. había cerrado su propia división de video tras editar su propio título Red Sun Rising, el film de Don "The Dragon" Wilson; A partir de ese momento los títulos posteriores fueron distribuidos en vhs por WarnerVision Entertainment: una división hogareña de Warner Bros. Pictures también para films independientes; Comenzando con las secuelas directo a video Nemesis 2: Nebula en ese mismo año 95 y continuó hasta 1996 con Nemesis 3: Time Lapse, siendo la última a través de WarnerVision Films. El film Blast (1997) también dirigida por Albert Pyun fue editada en video por Warner Home Video, y con este título se dio por terminada la asociación de sacar el material de Imperial hasta ese momento.

-El productor Sunil R. Shah.

Durante 1998, Imperial Entertainment Corporation fue absorbido totalmente por Scanbox International y la compañía cerró sus unidades para no producir ninguna película más; los miembros de Scanbox decidieron armar una joint venture con la compañía canadiense (asentada en los Estados Unidos) Lionsgate Films que se denominó Sterling Home Entertainment, para editar films independientes y producir algunos títulos clase B para el incipiente mercado del DVD en USA. Bajo la marca Sterling Home Entertainment salieron en vhs y dvd: Postmortem (1998) con Charlie Sheen, Crazy Six (1997), ambas dirigidas por Albert Pyun, Shadow Builder (1998) con Michael Rooker, Sanctuary (1998) de Tibor Takács y Boogie Boy (1998), estas últimas protagonizadas por el experto en artes marciales y actor Mark Dacascos, la última estrella dentro de la compañía. Tras Boogie Boy, editada en video el 17 de noviembre de 1998, culminaron los lanzamientos coproducidos por la compañía Imperial Entertainment/Scanbox Entertainment Denmark A/S.

Isologo de Scanbox Denmark A/S.

-El productor Ash R. Shah.

-DVD norteamericanos de Nemesis y Shadow Builder editados por RED y Sterling Home Entertainment respectivamente. Edición británica de Black Eagle hecha por la propia Reel Entertainment in Digital.

Posteriormente en ese mismo año 98, Sunil Shah tomó la decisión de retirarse de Scanbox para crear una compañía de distribución en Polonia (donde ya tenían una fuerte presencia con la marca Imperial como editora de películas en vhs), mientras que sus hermanos Ash y Sundip dejaron la empresa dos años después. La compañía productora Imperial Entertainment desapareció formalmente el 27 de abril de 1999, donde ya para esta última etapa se le había diseñado un nuevo logo que se estrenó por primera vez para el mencionado film Sabotage y que se siguió utilizando luego para todas las ediciones de su catálogo en vhs y dvd, a través de una empresa editora llamada RED: Reel Entertainment in Digital desde fines de los 90. Los principales films clásicos de Imperial tuvieron su relanzamiento en dvd en USA (aunque también la propia RED los editaba en el Reino Unido), como fueron los casos de Black Eagle y Nemesis que incluían además audio latino y extras.

-Isologos de Reel Entertainment in Digital y de Imperial Entertainment Corp. (1996-2006) utilizados en las presentaciones de los films editados en DVD.

Sunil R. Shah tras retirarse de Imperial nunca más volvió a involucrarse en la producción de un film, mientras que en el caso de Sundip R. Shah y Ash R. Shah todavía continúan en la industria, produciendo películas muy exitosas dentro de Hollywood y para productoras independientes. Scanbox fue vendido al sello de video hogareño alemán VCL Communications Gmbh en el año 2000. A partir de 2013, el catálogo de Imperial Entertainment Corporation fue adquirido por la productora y distribuidora independiente Moonstone Entertainment; La compañía, además de comprar todo su archivo fílmico, le ha creado un nuevo imagotipo específicamente para los lanzamientos restaurados y remasterizados en dvd y blu-ray, que se encuentra editando la compañía MVD Entertainment Group, desde 2018 hasta la actualidad, a través de su marca MVD Rewind Collection: una colección que trae ambos formatos por título, y que cuenta con películas de culto de diversas productoras no lanzadas previamente en blu-ray en los Estados Unidos, y hasta en algunos casos nunca fueron lanzados en dvd. Cada edición se encuentra numerada y cuenta con un diseño que mantiene un estilo retro como si fuera un viejo estuche de vhs. Algunos de los últimos títulos de Imperial han salidos editados bajo MVD Marquee Collection, otra submarca dedicada a films más actuales.

-Imagotipo de Moonstone Entertainment.

-Imagotipo actual de Imperial Entertainment.

Hola!! Arranco un nuevo mes con otro informe espectacular. En este caso debo decir que originalmente había escrito el 12 de septiembre de 2014 un breve texto contando los orígenes de esta productora, pero siempre me pareció que estaba muy incompleto, por esto tomé la decisión de borrar ese escrito y dejar ese post como un listado de las películas que Imperial lanzó (propias y de otras productoras) con su propia editora de video. Finalmente en el último tiempo pude escribir la historia de la compañía con toda la información disponible.

Hasta el próximo posteo!
Federico

jueves, 13 de enero de 2022

Crash and Burn (1990) dirigida por Charles Band

Para fines de 1989 el lanzamiento de Puppet Master había sido un gran éxito y Charles Band empezaba a encaminar su futuro en los Estados Unidos tras los problemas económicos en Empire Pictures que lo forzaron a vender su compañía. Ahora se encontraba de lleno con sus nuevas dos compañías productoras: por un lado Bandcompany s.r.l. que iba a realizar coproducciones millonarias con los estudios majors y por el otro Full Moon Productions que se encargaría de hacer películas de bajo presupuesto, de producción rápida y eficiente al estilo de Empire International, a través de una asociación exitosa con Paramount Pictures en video. De hecho, esta idea era así al comienzo pero las cosas fueron cambiando, y tras el lanzamiento del siguiente proyecto: Shadowzone, lo que solo iba a ser la empresa distribuidora llamada Full Moon Entertainment quedó conformada como único nombre para toda la empresa; decisión tomada a partir del momento en que Meridian (1990) y este film finalizaron su etapa de post-producción. También hay que agregar que Crash and Burn fue la última película que se lanzó con un detrás de escena genérico, ya que después se presentó el formato del Full Moon VideoZone.
En este punto Charles Band ideó la idea de un encuentro de dos robots en un futuro devastado, muy similar a Robot-Jox, teniendo en cuenta que el nombre del film remite a una frase característica de aquella película, pero aprovechando que todavía no había salido al mercado ya que aún Epic Films continuaba con el director Stuart Gordon su postproducción. El guión fue escrito por Joseph S. Cardone (el director de la mencionada Shadowzone), mientras que Band se ponía al frente en la dirección como en la anterior producción y junto a su mujer por ese entonces Debra Dion en la producción ejecutiva; La música fue compuesta por Richard Band como era habitual en la compañía reutilizando en algunas partes lo que, para ese entonces, pertenecía al score musical de Robot-Jox ya que todavía como dije no había sido editada. El regular Mac Ahlberg fue el director de fotografía, el realizador Ted Nicolaou tuvo la tarea de editar el film, David DeCoteau y John Schouweiler fueron los productores generales y bajo el nombre de Full Moon Productions se hizo toda la postproducción general.
Para los efectos especiales de maquillaje del cyborg y la película en general se encargó el reconocido Greg Cannom y su grupo de asistentes compuesto por Larry Odien, Adam Brandy y Palah Sandling; Para la creación del robot gigante DVA y sus efectos visuales la tarea quedó a cargo de David Allen y su equipo de especialistas (como en Puppet Master) del David Allen Productions, donde Steve Burg hizo el diseño del robot. La marioneta del robot gigante de carga se construyó con resina plástica y poliestireno (otro tipo de resina), con un peso de un poco más de 18 kilogramos y una altura de un metro con 37 centímetros aproximadamente, que en este caso no se recurrió al stop-motion sino que era operado por seis marioneteros (uno para las piernas, otro para los dos brazos, otra para el control de las manos pinzas, uno que controlaba las luces para la pantalla de fondo azul del chroma key y el último situado sobre un andamio acostado desde arriba para hacer el contrabalanceo del torso y la cabeza), entre los que estaban el mencionado Burg, Chris Endicott y Dennis Gordon bajo dirección del propio Allen; posteriormente los hilos transparentes que proporcionaban el movimiento del robot desparecían cuando mediante efectos especiales se insertaba ópticamente el fondo filmado sacando el azul para que apareciera en escena.
El cast principal se compone de Paul Ganus como Tyson Keen, Megan Ward (que con esta película hace su debut como actriz) interpreta a la joven Arren, Bill Moseley hace de Quinn,  Eva La Rue como Parice, Jack McGee es Winston Wickett, Ralph Waite interpreta a Lathan Hooks, Elizabeth Maclellan y Katherine Armstrong hacen de las prostitutas Sandra y Christie respectivamente que aparecen en el programa; originalmente en el primer borrador del guion estas mujeres además eran adictas a las drogas, pero Charles Band decidió que se elimine ese elemento del guion escrito ya que le suponía a las prostitutas un carácter muy vulgar y excesivo.
Crash and Burn se rodó entre el 5 de febrero y el 15 de marzo de 1990 en locaciones de Alabama Hills, en Lone Pine y en Los Angeles, ambos lugares de California, con un presupuesto estimado en un millón de dólares. Finalmente se estrenó en los Estados Unidos en el mes de septiembre del mismo año para el mercado directo al video, aunque en algunos países de Europa, donde incluso se lanzó unos meses antes, se editó como Robot Jox 2: Crash and Burn por su similitud en la temática; aunque hay que decir que se tratan de dos proyectos independientes sin ninguna relación entre sí. En el caso de USA como dato relevante el film Robot Jox salió en video y laserdisc al mes siguiente, por lo que justamente no se hizo ninguna relación entre ambas como si en Europa donde había sido lanzada primero. Por último hay que decir que la película fue la primera en aparecer bajo la marca Full Moon Entertainment en los créditos, ya que si bien se rodó bajo Full Moon Productions (y quedó el nombre solo para la postproducción en los créditos finales), se abandonó completamente esta designación para su posterior lanzamiento. Es así que ahora quedaron unificados los dos nombres en una sola compañía como marca principal de producción y distribución en conjunto con Paramount Home Video, mientras que en el caso de Bandcompany s.r.l. solo quedó relegada a estar destinada como una empresa internacional, que se presentaba en los mercados de preventa como la American Film Market y en las convenciones MIFED de cine, para conseguir los fondos necesarios que se requirieran de los siguientes títulos proyectados de la Full Moon.

Argumento

En julio del 2030, ya ha pasado mucho tiempo desde que un colapso económico ha destruido al mundo tal cual lo conocíamos, ahora una corporación llamada UNICOM aliada con el gobierno es la encargada de controlar el mundo. En una zona desértica un hombre llamado Tyson Keen con su moto para en una gasolinera para ponerle combustible a su vehículo, el hombre trabaja para UNICOM y le pregunta al encargado a cuanto está de la estación; en la tele observa que anuncian un aumento de la temperatura y del arresto de tres personas del Movimiento Unido de Liberación (I.L.U.) y se va. El paisaje mientras maneja es de ruinas pero finalmente llega a lo que podemos decir una vieja estación de televisión que opera UNICOM, el edificio se encuentra con un aspecto mayormente destruido y con una gran antena en el techo, donde allí se transmite en este momento el programa The Winston Wickett Show mientras la joven Arren es la camarógrafa. Tyson se presenta ante Lathan Hooks, el dueño de la emisora, pero no acepta lo que le viene a traer: los equipamientos. Luego sale con Arren afuera a buscar sus cosas y él ve a un robot gigante DVA abandonado y oxidado, la chica le cuenta que se utilizaba en las minas de Radium, también le dice que sus padres murieron y tiene 16 años; él decide quedarse para pasar la tormenta y bajan al sector de las máquinas, ella le presenta a Quinn, el controlador del equipo y a Parice, la maestra que enseña sobre UNICOM en la televisión.
Esa noche cenan los cuatro y se suma Lathan, este le comenta a Tyson que UNICOM en el pasado les prohibió el uso de las computadoras y robots, además de la pérdida de derechos a los ciudadanos, cosa que adelantó el colapso del mercado. Luego, aparece Winston junto a las invitadas que tuvo en el programa de hoy, las actrices porno Sandra y Christie, y se van a dormir ya que es el momento por lo que a Tyson le toca hacerlo en la habitación de Quinn, allí se ponen a hablar de los trabajos y finalmente se duermen, al igual que en la habitación de Parice y Arren. Winston se prepara a estar con las dos mujeres en lo que es una sala de emergencias que tiene el edificio para aplicarles remedios a los que vienen del desierto pero no tiene mucho consenso. De noche el viento mueve las frágiles estructuras, en especial la antena mientras Lathan Hooks se encontraba todavía levantado revisando una de las máquinas pero alguien en la oscuridad lo golpea con la mano y resbala por la baranda, pero esta misteriosa persona le pisa la mano para que no se sujete y termina cayendo sobre el generador provocando una falla eléctrica. Todos se despiertan por la alarma y se ponen a buscar a Lathan. Arren y Quinn descubren el cuerpo al tiempo que las fuertes ráfagas de viento golpean la antena y cae hacia atrás rompiendo el techo. Arren está bajo shock al gritar que mataron a su abuelo, mientras Tyson, Winston y Quinn hablan de arreglar el sistema de enfriamiento, ya que hace 110 grados de noche y empeorará de día. Al rato de ir a ver a Arren Tyson se va con Quinn afuera con trajes protectores y linternas a intentar arreglar la máquina; mientras, las chicas y Winston buscan agua ya que la bomba de extracción era eléctrica.
Finalmente Arren se despierta y se va al sector de computadoras mientras Quinn consigue arreglar la energía cambiando los cables. A Tyson le avisa Parice que Arren no está y sale a buscarla caminando por el sector de la fábrica, Winston se encuentra deambulando en otro lugar buscando un trago y es encontrado por Quinn. Tyson halla un material de UNICOM y lo sorprende Allen, ella se lo lleva para mostrarle unas viejas computadoras de comienzos de los 90, mientras observa todo la chica le raspa el brazo para asegurarse de entrar al grupo Unión de Libertad Independiente, ya que su abuelo era miembro en los tiempos de la redención. La computadora manda una señal de su abuelo Lathan y da cuenta que hay un infiltrado androide de UNICOM entre ellos, además de que se encuentra infectado con el virus Crash and Burn lo que le permite matar a sus objetivos. Más tarde cuando todos están reunidos y lo charlan en la mesa mientras comen, se someten al test de Arren de cortarse un poquito con un bisturí para ver si sangran pero todos pasan la prueba. Winston se enoja porque tras el corte que se hizo Quinn en la mano tomo la suya de sorpresa y le cortó un dedo (sin higienizar el bisturí), ahora está molesto porque le duele mucho y se queja de las locuras y tonterías de Arren. Tyson junto a Parice salen a tomar aire y luego de hablar sobre Lathan se abrazan y terminan haciendo el amor.
Al día siguiente Arren se peina su cabello arreglándose con un peinetón; en otro sector Tyson se despierta viendo que al salarse la venda su dedo está infestado, por lo que se levanta de la cama y al ver una escopeta con balas sobre un cristal puesto en la pared lo rompe para utilizarlo, al bajar a ver las latas de UNICOM que había encontrado vuelca el contenido de una de ellas sobre una madera y observa que se trata de sangre falsa. Arren se encuentra manejando la vieja computadora con el programa Awake DV-8 y consigue activar (aunque con poca energía) el viejo robot gigante. Rápidamente se va del lugar pero escucha que un robot se encuentra caminando por el sector fabril de la estación y ella se esconde pero resulta ser Quinn que, para su sorpresa, quiere quebrarle el cuello; Tyson aparece con la escopeta apuntándole y ella aprovecha para clavarle el peinetón en la cara mientras Tyson le dispara tres veces, una en el brazo derecho y las otras en la cabeza. Los dos ven que a Quinn no le pasa nada y este golpea a Tyson por lo que Arren termina golpeándolo con una llave maestra para que lo suelte. Quinn revela ser el androide synthoid que buscaban y que se le activó su chip implantado de consciencia: un microchip que le permite no ser un synthoid asesino y pasar como un humano, por lo que luego de matar al viejo Lathan les dice que tiene que proteger el programa de personas externas y corre a ocultarse.
Tyson le dice a Arren que se dio cuenta de que era él la persona infiltrada por el corte, ya que no se había infestado; ellos alertan a Sandra, Christie y Parice de estas novedades pero Quinn se aparece ante Winston, muy debilitado ya que el corte de su mano de le infestó extendiéndose por todo su brazo, el androide le toma el brazo infestado y se lo amputa provocando que grite de dolor, e inmediatamente lo mata electrocutándolo al golpear su cara con una lámpara de techo. En otro lugar Christie se está bañando y Quinn se le aparece pero ella cae por su propio interés y muere electrocutada al poner su mano Quinn en la ducha; Tyson, Arren y Sandra se dirigen hacia el generador de electricidad y el primero le dispara para que no haya energía pero se les aparece Quinn por detrás y le dispara a Sandra con una escopeta, Tyson le dispara a Quinn varias veces y queda destruido cayendo al suelo. El muchacho le pide a Arren que saque fotos del robot para llevarse a la estación de servicio más cerca, se suben ambos junto con Parice a una camioneta pero en movimiento Quinn se tira al capot y rompe el parabrisas para tratar de ahocar a Tyson, el vehículo empieza a hacer giros hasta que frena arrojando al androide synthoid al piso; inmediatamente Tyson arranca y lo atropella pasándole por arriba ya que se había levantado y quería dispararle a ellos. Al detenerse, salen del vehículo para inspeccionar pero el synthoid manda una descarga eléctrica que hace caer una torre de varas sobre Tyson y el propio Quinn.
En este momento ambos se encuentran atorados por las varas sin poder moverse mucho por lo que a Arren se le ocurre meterse dentro de la estación y correr hasta su vieja computadora, para iniciarla y encender el programa Awake activándolo, es entonces que el viejo robot gigante se inicia y de a poco se va levantando moviéndose muy despacio. Una vez levantado lo primero que hace Arren con los controles del teclado es hacer que mueva su enorme brazo para levantar la torre por lo que Tyson logra moverse y salir pero Quinn no pierde oportunidad y destruye sus piernas que quedaron atoradas ya que quiere atrapar a Tyson, una malfunción se activa en el brazo del robot por el peso haciendo que la extremidad se rompa y se desprenda del cuerpo cayendo al piso con torre y todo. Arren decide mover el robot Awake para que con su enorme pata, que levanta en el aire, aplaste con todo su peso al synthoid Quinn que estaba por agarrar a Tyson pero finalmente la energía general de la máquina se acabó y el gigante robot Awake DV-8 se apaga al terminársele la poca energía que tenía desplomándose en el suelo.
Arren ve en la computadora que se envía otro código y se sorprende, Parice ayuda a caminar a Tyson ingresando en la estación para buscar a la joven, pero al entrar el muchacho ve que hay una nota que le ha dejado escrita Arren, donde se da cuenta al leerla que no ha terminado nada...

Análisis

Para el análisis me baso en la edición local lanzada en VHS con el nombre de Guerra del futuro, editada por el sello Gourmet Video Company a comienzos de los noventa; Hay que tener en cuenta que en verdad la editora American Home Video, el primer representante de los títulos de Full Moon/Paramount en el país, tendría que haberla editado pero luego de Meridian se la “salteó” para sacar posteriormente Puppet Master II, por lo que presumiblemente infiero que no le interesó para su catálogo y la pasó de largo quedando los derechos en manos de esta otra editora. Lo cierto es que el sello Gourmet también editó el film de la Empire Pictures de 1988 Galactic Gigoló y posiblemente haya negociado la distribución de esta película con la productora de Charles Band. La cinta contiene el avance de Campamento del terror (Moon Stalker, 1989) y el subtitulado fue realizado por C.i.Vi.S.A. (Centro Integral de video S.A.); agrego personalmente de todas maneras que no es muy bueno el trabajo de traducción, ya que se omiten detalles importantes en varios momentos de la trama y el subtitulado termina quedando con un resultado muy básico. La edición con caja slipcase de cartón presenta en su tapa la foto del poster original y con su frase original traducida, la contratapa por su parte contiene una descripción muy larga y detallada de toda la trama siendo muy correcto el texto, acompañado de tres fotografías y con el título de la película ocupando buena parte de la diagramación; el resto del diseño de la edición resulta muy bueno. Esta película se la puede ver en algunas páginas de internet sin subtítulos y que yo sepa no ha tenido una emisión local en ningún canal de televisión de nuestro país.

Portada del Crash And Burn (Original Motion Picture Soundtrack) de Richard Band lanzado en 1992 por la discográfica Intrada Records. La imagen que se utiliza es la del primer poster, cuando todavía era un proyecto en preproducción sin guión definitivo, mostrando grandes diferencias, no solo en el sentido argumental, sino en cuanto al diseño del Robot DV-8 con una pose y forma mucho más bélica, mientras que en el caso del androide synthoid directamente se trataba de una mujer rubia portando un gran arma.

-Imágenes del detrás de escenas.

Tapa, contratapa de la edición nacional en video y el VHS argentino.

Hola a todos y todas, por fin un nuevo análisis de una película después de muchos años!!! Para el próximo mes nos reencontraremos cuando les presente otro posteo, no se lo pierdan! :)

Abrazo grande
Federico